Apex pro art e.V.

Impressionen der Eröffnung am 29.07.2011

2011-08-09T00:39:00.001-07:00

Pressestimmen:

2011-08-08T23:09:00.000-07:00

Göttinger Tageblatt 31.07.2011

Neue Motive aus der Flut der täglichen Bilder

Ende und Anfang zugleich: Die Ausstellung „Streifschuss“ markiert das Ende des Vereins „Apex pro art“ und zugleich den Beginn des Vereins „Apex Kultur“.

„Streifschuss“-Ausstellung: Bilder von André Gudenrath, Nicolai Nitsch und Friederike Jäger (v.l.).

Göttingen. Laut Gerhard Bodenstein, dem langjährigen Vorsitzenden des Vereins, ist das Aus für die Bildende Kunst im Apex vor allem durch das Ausbleiben „einer lächerlichen Summe“ begründet. Vielmehr ist es wohl auch eine bewusste Entscheidung der neuen Vorsitzenden Christoph Huber und Stephan Dehler (bekannt als „Stille Hunde“), die Bildende Kunst im Apex außen vor zu lassen und andere, eigene Akzente zu setzen.

Die Ausstellung „Streifschuss“ ist das Ergebnis einer Projektarbeit zwischen vier jungen Künstlern der Hochschule für bildende Künste (HbK) Braunschweig und drei angehenden Kunstwissenschaftlerinnen, die durch das Projekt einen Einblick in das Berufsbild eines Kurators bekamen. Die Idee zu dieser Zusammenarbeit hatte pro art-Kuratorin Sabrina Hoff, die selbst an der HbK studierte.

Die Exponate von André Gudenrath, Friederike Jäger, Nicolai Nitsch und Fabian Lehnert sind extrem unterschiedlicher Natur. Filigrane und kleinformatige Zeichnungen mit Tuschestift überwiegen bei Nitsch. Mit feinem Strich in schwarzweiß hält er Szenen fest, die Narrationen anreißen ohne sie zu Ende zu führen. Oft scheint der Balanceakt in der Höhe ein Thema wie beispielsweise beim Balancieren eines Menschen auf einem Baugerüst oder dem Sprung von Schornstein zu Schornstein.

Feine Linien und Striche kennzeichnen auch die Zeichnungen und Druckgrafiken Fabian Lehnerts. Vor allem die Tier- und Pflanzenwelt zählt zu seinen Motiven, die durch den Gebrauch von alten Papieren als Untergrund etwas Nostalgisches an sich haben.
André Gudenraths großformatige Ölgemälde sind schwerlich auf einen Nenner zu bringen. Prozessorientiertes Malen scheint mehr im Vordergrund zu stehen als die Fixierung auf ein bestimmtes Ergebnis.

Bei Friederike Jäger sucht man oft vergeblich nach einer Orientierung in ihren expressiven Bildern, was durch gegensätzliche Formen – mal harte Linien und Kanten, mal weiche, fließende Übergange – bedingt ist. In ihrer Arbeit lässt sich noch am ehesten ein Bezug zur Intention der Ausstellung herstellen. Diese möchte laut Kuratorin Hoff zeigen wie junge Künstler die Masse an medialen und gesellschaftlichen Bildern, die täglich auf sie einströmten, in ihren Werken verarbeiteten. Der Titel „Streifschuss“ beschreibe, dass diese Bilder mit großer Geschwindigkeit und hoher Quantität auf die Künstler einprasselten; viel zu schnell, als dass sie wirklich aufgenommen werden könnten und man sich in ihnen orientieren könne.

Das allgegenwärtige Phänomen der Bilderflut als Thema der Ausstellung wirkt leider allzu übergestülpt. Aber ohne Zweifel sind die Werke der jungen Künstler sehenswert.

„Streifschuss“: Ausstellungsprojekt mit der Hochschule für bildende Künste“: mittwochs bis freitags von 15 bis 19 Uhr und sonnabends von 11 bis 16 Uhr im Apex, Burgstraße 46, in Göttingen (bis 10. September).

Aktuell:

2011-07-19T01:35:00.001-07:00

Streifschuss - André Gudenrath, Friederike Jäger, Fabian Lehnert und Nicolai Nitsch

Die Ausstellung Streifschuss präsentiert vom 29.07. - 10.09.2011 im Apex pro art e.V. in Göttingen das produktive Ergebnis einer Projektarbeit mit Studenten der HbK Braunschweig.

Der Titel der Ausstellung verweist auf die täglich auf die Künstler einströmende Masse an Bildern, deren wichtigste Momente sie in ihrer Kunst einfangen. Die Kunstwerke bieten somit einen streifschuss-ähnlichen Einblick in die kulturellen Eindrücken, die die Studenten prägen und in ihrer Kunst verarbeiten.

Die Ausstellung wird kuratiert von Julia Tomaschek, Kenja Albrecht und Maria Freystein, drei Studentinnen der Kunstwissenschaft, die sich in intensiver Projektarbeit dem Thema des Kuratierens und allen dazugehörigen organisatorischen Aufgaben widmeten.
Es werden Gemälde, Zeichnungen und Druckgrafiken von vier jungen KünstlerInnen der HbK Braunschweig zu sehen sein, die zum großen Teil noch ganz am Anfang ihres Studiums stehen, oder gerade ihre Diplomprüfung hinter sich haben.

Fabian Lehnert (*1984) stellt Druckgrafiken und Zeichnungen aus, die ihre ganz eigene Geschichte erzählen. Friederike Jägers (*1990) Arbeiten hingegen zeichnen sich durch ihren Farbfluss aus. Mittels Acryl- und Ölfarbe transportiert sie Schicht für Schicht Linien und Flächen auf die Leinwände. André Gudenrath (*1987) legt seinen Schwerpunkt auf das Kunstschaffen. Der Prozess des Malens gleicht der Auseinandersetzung mit sich und seiner Umwelt. Nicolai Nitsch (*1982) präsentiert überwiegend Zeichnungen, die einem feinen und akkuratem Strich unterliegen.

Das von Sabrina Hoff ins Leben gerufene Projekt, sorgte für eineerfolgreiche Zusammenarbeit zwischen Künstlern und Kunstwissenschaft. Und so fand ein reger Austausch zwischen Theorie und Praxis statt, der über die Ausstellung hinaus in einem Katalog dokumentiert ist.

Die Ausstellung wird gefördert durch das Land Niedersachsen.

Aljoscha - Objekt als Wesen: Aktion im öffentlichen Raum

2011-06-22T02:59:00.000-07:00

Vor der Eröffnung der Ausstellung "Objekt als Wesen" führte der Küntsler Aljoscha eine Aktion im öffentlichen Raum durch. Dabei setzte er am Samstag den 11.06. das in der Ausstellung zu sehende "Object #11" der Lichtenberg- Skulptur auf dem Platz des alten Rathaus auf.
Hier einige Impressionen.

Pressestimmen: Aljoscha - Objekt als Wesen

2011-06-22T02:49:00.001-07:00

Göttinger Tageblatt: 17.06.2011

Blaue Tentakeln neben rotem Korallenast

Von Karoline Jirikowski-Winter

Von der Decke hängt ein Objekt in einem kräftigen Blau, dessen zarten Verästelungen, durch einen leichten Luftzug bewegt, wie ausgestreckte Tentakel wirken. Daneben an der Wand ist ein grell rotes Gebilde befestigt. Fasziniert von Miniaturstrukturen: der ukrainische Künstler Aljoscha

Dieses erinnert mit seinen zierlichen Verzweigungen an einen Korallenast, und man könnte meinen, dieser wachse weiter, sobald man ihm den Rücken zudreht. Statisch und skulptural hingegen wirkt neben diesen ein Materialmix aus Stein, Holz, Acryl und drei fotografischen Linsen, der von einem fantasievoll geformten, transparenten Plexiglas-Mantel sanft umhüllt wird. An Schwämme, Moosflechten, Kristalle und mikroskopische Gebilde erinnern die Arbeiten des aus der Ukraine stammenden Künstlers Aljoscha. In der Schau „Objekt als Wesen“ zeigt das Apex einen Querschnitt seiner neuen Objekte, Zeichnungen und Fotografien.

Aktionen im öffentlichen Raum und Skulpturen, die wie Street Art inszeniert werden, haben Aljoscha in der Kunstwelt bekannt gemacht: So verkaufte sich ein monströs wachsend wirkendes Gebilde, das im Wühltisch eines Lebensmitteldiscounters platziert wurde, binnen 13 Minuten. Oder ein aus einem Kaugummiautomaten wucherndes Geflecht irritierte vorbeigehende Passanten. Mit seiner als „Bioism“ oder „Biofuturism“ bezeichneten Kunst lotet er die Ambivalenz zwischen kontrolliertem Wachstum und zufällig ablaufenden Prozessen aus. Werkstoff dieser organisch anmutenden Gebilde, ist Acrylfarbe, die in vielen Schichten fein aufgetragen und je nach Größe des Objekts durch ein Drahtskelett unterstützt wird. Die entstehenden Formen sind mal feingliedrig und kleinteilig, mal monströs und amöbenhaft. „Wichtig für ihre Wirkung sind auch die kraftvollen und leuchtenden Farben“, wie Aljoscha erläuterte. Wesentliche Inspirationsquelle ist für den Künstler die Faszination an in der Natur vorkommenden, komplexen Miniaturstrukturen, die nur durch die Linse eines Mikroskops sichtbar werden.

Auftakt der Göttinger Ausstellung war eine Street-Art-Aktion: „Object 11“, ein rotes, fleischig wirkendes Gebilde aus einem Acryl-Öl-Gemisch, zierte den Kopf der Lichtenberg-Figur am Markt und machte neugierig auf die ungewöhnliche Schau. Diese zeigt sowohl große Skulpturen, wie das staksige „White object with 2 green forms“, das an ein mit hellgrünen Algenblättern geschmücktes Gerüst denken lässt, oder das in einem kräftigen Mittelblau gehaltene „Object 103“, das Assoziationen an das Rückenskelett eines Dinosauriers hervorruft. Faszinierend anzusehen sind auch die Zeichnungen, die den filigranen Charakter der Skulpturen durch zarte Bleistiftstriche noch verstärken, oder die in Öl angefertigten „p-landscapes“, die surreal anmutende Landschaften aus zarten Pinseltupfen entstehen lassen. Witzig und unvermittelt hingegen wirken die „g-signs“ genannten Materialcollagen, die ganz unterschiedliche Stoffe zusammenführen: Im Apex zu sehen ist etwa „g-sign #2“, ein kristallines Mikrogerüst aus Acryl, das mit einem Büschel Haare kombiniert wurde. So faszinierend die feinen Gebilde und Strukturen anzusehen sind, so ist beim Betrachten von Aljoschas Objekten jedoch eine gewisse Formenredundanz sichtbar, die auch durch ungewöhnliche Materialkombinationen oder verschiedene Arbeitstechniken nicht überwunden werden kann. Ein Gang durch die Ausstellung macht dennoch Spaß, denn man scheint mitten in einen lebendigen Dialog zwischen Kunst, Wissenschaft und Natur zu geraten.

Bis Sonnabend, 23. Juli, mittwochs bis freitags von 15 bis 19 Uhr, sonnabends von 11 bis 16 Uhr im Apex, Burgstraße 46 in Göttingen. Führungen: Mittwoch, 22. Juni, um 17 Uhr und Sonnabend, 16. Juli, um 14 Uhr.

Impressionen der Ausstellung Aljoscha - Objekt als Wesen

2011-06-14T05:36:00.000-07:00

Ausstellungsraum unten mit unterschiedlichen Objekte und Zeichnung.

6 Formen aus der Serie "t-forms", 2011

Ausstellungsraum oben mit unterschiedlichen Objekten.

Es lebt?!

2011-06-14T01:40:00.000-07:00

- Wesenhafte Objekte des Künstlers Aljoscha

von Sabrina Hoff

Der Gang in den Supermarkt hält immer wieder Überraschungen bereit. Das Objekt was an einem morgen im Discounter Aldi in Düsseldorf zu sehen war, gehört mit großer Sicherheit dazu. Drapiert in den Sonderangeboten ausgezeichnet mit dem Preis von 99 Cent, fiel das große Objekt den Kunden sofort in die Augen und wurde bereits nach 13 Minuten verkauft.

Die Objekte die der Künstler Aljoscha kreiert sind nicht nur in der Umgebung des Supermarkts irritierend, auch in der Ausstellung werfen sie Rätsel auf. Ihre Strukturen muten fast organisch an und erinnern durchaus an verborgenen Lebensformen.

Durch das Aneinanderfügen von Acrylfarbe und deren Gestaltung mit Pinseln und anderen Werkzeugen, scheinen die Strukturen eher durch Zufall zu entstehen als geplant in bestimmten Formen gestaltet zu werden. Die Farbe wird regelrecht skulptural eingesetzt und zu einer dreidimensionalen Struktur aufgebaut, die nur noch entfernt etwas mit Malerei zu tun hat. [...]

Das Künstler sich von der Natur inspirieren lassen ist nicht erst seit gestern so. Das allerdings eine Ebene dazukommt, die wir mit dem bloßen Auge nicht mehr erkennen können ist relativ neu und zeigt deutlich wie sich die aktuellen Entdeckungen der Naturwissenschaften auf die Kunst auswirken und gleichermaßen unsere Betrachtungsweise beeinflussen. [...]

Die Objekte, die Aljoscha erschafft erscheinen in ihren unterschiedlichen Ausprägungen geradezu wesenhaft. [...] Bei Aktionen im öffentlichen Raum fahren sie S-Bahn , krabbeln aus Kaugummiautomaten oder werfen Briefe ein: egal wo sie auftauchen, sie erscheinen wie Wesen von einem anderen Stern und irritieren den Betrachter zunehmend. [...]

Bei genauer Betrachtung wird deutlich, dass Aljoscha mit seinen Objekten und Bildern ein undurchschaubares Spiel der Täuschung betreibt. Den weder sind seine Objekte Abbildungen von tatsächlich existierenden Strukturen, noch Entwürfe für neue Lebensformen. [...]

Eine Parallele in den Strukturen gibt es allerdings doch zur realen Welt, in ihrer Komplexität steht Aljoschas Bildsprache der Natur in ihren vielfältigen Formen in nichts nach, und spiegelt somit deren Kleinteiligkeit in der Größe des Ausstellungsraum gekonnt wieder.

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Aljoscha - Objekt als Wesen

2011-05-23T04:29:00.000-07:00

Die Ausstellung Objekt als Wesen, präsentiert vom 12.06. bis 23.07.2011 Objekte, Zeichnungen und Gemälde des ukrainischen Künstlers Aljoscha.

Die Objekte, die in der Ausstellung gezeigt werden, entstehen aus Acrylfarbe. Sie changieren zwischen zarten netzartigen Strukturen und teilweise gigantischen Formen.

Die filigrane und verwobene Anmutung ruft die Erinnerung an biologische Strukturen hervor, die in der Wissenschaft erst unter dem Mikroskop sichtbar werden.

Im Gegensatz zu der Zartheit und Zerbrechlichkeit der kleinen Objekte, greifen die Großen direkt in den Ausstellungsraum ein. Sie verändern den Raum, geben den Weg durch die Ausstellung vor und schränken den Besucher in seiner Bewegungsfreiheit ein. Sowohl die Konfrontation mit der Kunst als auch mit der eigenen Körperlichkeit wird hier bewusst gemacht.

Das Verhältnis von Körper und Raum, sowie Körper und Form wird sowohl an kleinen wie auch großen Skulpturen deutlich.

Die Zeichnungen und Gemälde stellen ebenfalls eine ästhetische Annäherung an Formen und Strukturen dar. Sie stellen zum einen eine geradezu dokumentarische Aufzeichnung des Künstlers von seiner eigenen Arbeit dar, sie entwickeln zum anderen aber auch eine fast surrealistisch anmutende Formensprache.

Die Ausstellung wird unterstützt durch das Land Niedersachsen.

Pressestimmen: Malgosia Jankowska - Arkadia

2011-04-11T01:35:00.000-07:00

Göttinger Tageblatt, 7.4.2011

von Tina Lüers
Kinder, flankiert von Wölfen und Schlangen

Ein Fuchs zerfleischt sich, zwischen Zweigen im Unterholz halb verborgen, in Lars von Triers jüngstem Film „Antichrist“. Als der Farn zur Seite gebogen wird, spricht er mit einer seltsam verzerrten Stimme: „Chaos regiert“. Er symbolisiert das Bild einer dämonischen, unberechenbaren Natur.
Lauern hier Abgründe? Malgosia Jankoska vor einem ihrer großformatigen Waldbilder

Auch in Malgosia Jankowskas Bildern von einer idyllisch-arkadischen Natur, „Arkadia“, die derzeit im Apex zu sehen sind, scheinen Abgründe zu lauern. In großformatigen Waldlandschaften sind kleine Kinder zu sehen, flankiert von Wölfen, übergroßen Schlangen, Hirschgeweihen, Fliegenpilzen. Ganz allein im großen, weiten Wald sind sie mit sich beschäftigt, schauen zu Boden oder vom Betrachter weg, allein die Tiere sehen ihn an. Sie sagen nicht, dass das Chaos regiert, aber auch sie scheinen bei aller Stille und der Traumlandschaftlichkeit der oft im Schnee situierten Arrangements zu sagen, dass diese Idylle von Bergen, hohen Tannen, Buchen oder Waldseen nicht trägt, nicht tragen kann.

Jankowska arbeitet mit Filzstiften und Aquarellfarbe, aber nicht in Aquarelltechnik auf Papier. Strich um Strich zieht sie mit dem Pinsel, formt die Rinden der Bäume, deutlich und dunkel im Vordergrund, immer heller und weicher in Richtung Hintergrund. Die Möglichkeiten der Flüchtigkeit des Aquarells werden nicht wahrgenommen, stattdessen mit der Stetigkeit des Fleißes einer ausführlichen Zeichnung kontrastiert. Das Haar der Jungen, auch Bergkämme oder Kleidungsstücke, hat sie mit feinem Filzstiftstrich gezogen, in ihrem zeichnerisch-realistischen Gestus widersprechen sie dem Aquarell nur deshalb nicht, weil es in gleicher Weise linear verwendet wird. Der Einsatz von sehr wenigen Farbtönen, mal ist eine Zeichnung ganz schwarz auf weißem Papiergrund, mal rot, mal ein wenig wechselnder, unterstützt den zeichnerischen Charakter.

Verwirrend wirkt neben dieser Genauigkeit ein gewisser Nebel, der überall wartet, der die Farben verblassen lässt oder aufhellt, die Lichtverhältnisse, aber auch die Beziehung von Figur und Grund auf den Bildern ins Unstimmige oder Absurde kippen lässt. Abgründe allerdings lauern hier wohl doch nicht, eher ein Verweis auf Märchen und Mythen, Collagen von Vorlagen.

Bis 1. Juni, Mittwochs bis Freitags von 15 bis 19 Uhr, Sonnabends von 11 bis 16 Uhr im Apex, Burgstraße 46 in Göttingen.

„...und die Blätter der Bäume standen still...“

2011-04-02T06:29:00.001-07:00

- Waldwelten bei Malgosia Jankowska

von Sabrina Hoff

„In das sanfteste Rot und Gold war alles verschmolzen, die Bäume standen mit ihren Wipfeln in der Abendröte,[..] die Wälder und die Blätter der Bäume standen still, der reine Himmel sah aus wie ein aufgeschlossenes Paradies, und das Rieseln der Quellen und von Zeit zu Zeit das Flüstern der Bäume tönte durch die heitre Stille wie in wehmütiger Freude. “ (aus: Ludwig Tieck: Der blonde Eckbert, 1797)

Ein ähnlicher Eindruck ist es der die Bilder von Malgosia Jankowska zu durchströmen scheint. Das romantische Naturerlebnis wird in ihren Bildern wiederbelebt. Ruhe und Erhabenheit durchströmt die Zeichnungen aus Aquarell und japanischen Filzstift auf Papier. In die kulissenhafte Umgebung bettet sie einzelne Elemente ein, die sich dezent vor dem Hintergrund abheben, Figuren und Tiere erscheinen auf Lichtungen und gehen in sich selbst vertieft unerklärlichen Handlungen nach.

„Arkadia“ der Titel der Ausstellung verweist auf die Vorstellung von dem Hirtenland Arkadien, das u.a. in der frühen Neuzeit zum erstrebenswerten Ort stilisiert wurde. Arkadien ist dort die Schäferidylle, ist die Illusion eines einfachen Lebens im Zusammenspiel mit der Natur. Die Zeichnungen Malgosia Jankowskas nehmen diese Stimmung auf und stellen eine Verbindung von arkadischer Illusion und romantischer Naturverklärung dar.

Zunächst geblendet durch Schönheit und Harmonie der Zeichnungen verheddert sich der Betrachter auf den zweiten Blick im Inhalt der Bilder. Die Frage nach der Funktion der Figuren im Mittelpunkt drängt sich auf. Die augenscheinliche Idylle nimmt der Betrachter mehr und mehr als Bedrohung wahr.

Die anfangs beschriebene Schönheit verkippt somit und nimmt etwas düsteres an. Die arakadische Anmutung, verspielte Kindheit und ungezähmte Wildniss, werden hier in einer so großen Harmonie kombiniert , dass es eben doch zu schön ist um wahr zu sein und sich vielmehr als unheimliche Fremdheit und Illusion entpuppt.

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Malgosia Jankowska - Arkadia

2011-03-25T05:46:00.001-07:00

1.April 2011 - 1.Juni 2011

Vom 01.April bis 02.Juni präsentiert der Apex pro art e.V. die polnische Künstlerin Malgorzata Jankowska (*1978) in ihrer ersten institutionellen Einzelausstellung. Jankowska studierte an der Warschauer Akademie Malerei. Ihr Werk wird seit 2003 regelmäßig in Galerieausstellungen in Deutschland und der Schweiz präsentiert.

Die großformatigen Zeichnungen aus japanischen Filzstift oder Aquarell auf Papier, zeigen hauptsächlich in Schwarz-, Grau und Rottönen gehaltene Wälder. Die Natur ist dabei durchdrungen von einem interessanten Lichteinfall, der den Bildern eine ganz eigene Atmosphäre verleiht. Im Mittelpunkt der Bilder kann der Betrachter häufig Kinder entdecken.

In scheinbarer Harmonie fügen sie sich in das Bild ein und sind in eine, nicht näher definierte, Handlung vertieft. Sie sind oftmals umgeben von Tieren, wie Hirschen oder Schlangen, die sich in offenkundiger Vertrautheit den Kindern annähern.

Die zunächst durch die filigrane Linienführung und den zarten Farbauftrag idyllisch anmutende Landschaft, gerät letztlich auf den zweiten Blick ins Schwanken. Die Isolation der Kinder im Wald, die ruhige Atmosphäre und die seltsame Vertrautheit der Tiere geben dem ganzen einen unheimlichen Anschein. Die arkadische Anmutung entpuppt sich als trügerisch, vielmehr eröffnet sich, ähnlich wie in der Romantik, das Spannungsfeld zwischen Mensch und Natur. Der Mensch bleibt trotz seiner augenscheinlichen Zugehörigkeit klein und unbedeutend und wird subtil durch die unterschiedlichen Elemente bedroht.

Die Ausstellung wird unterstützt durch das Land Niedersachsen.

Für weitere Informationen kontaktieren Sie bitte: Sabrina Hoff, M.A., 0551/46886, hoff@apex-goe.de

Pressestimmen:

2011-02-03T02:15:00.000-08:00

Göttinger Tageblatt 02.02.2011

Von Tina Lüers
Wenn die Schrankwand umstürzt

In den zwei Räumen im Cheltenham-House, die schon so lange leer stehen, dass kaum jemand sich daran erinnert, was einmal dort untergebracht gewesen sein mag, hat die Galerie Apex die Ausstellung „bis auf weiteres …“ von Astrid Busch und Susanne Kutter eröffnet.

Wankendes Interieur: Videoarbeit von Susanne Kutter.

Kein Zeichen, kein Schild verweist auf die Räume, an deren Glasscheiben große Platten gelehnt sind, so dass kein Licht eintreten kann. Im dunklen Innenraum verzahnen sich die Wandarbeiten, Projektionen und Installationen der beiden Berliner Künstlerinnen.

Kutter bringt zwei Raumformate mit in die kargen Räumlichkeiten. Kleine, beleuchtete Kartons auf Augenhöhe bergen zwergenhafte und zugleich minimale Interieurs: geweißelte Wände, eine Leuchtstoffröhre, ein Lüftungsschacht oder ein Anschluss. Darin ein überdimensioniertes Insekt, kafkaesker Käfer oder schmaler, schöner Schmetterling. Ihre demgegenüber sehr große Videoarbeit „Moving Day“ von 2001 zeigt ein Wohnzimmer, in dem die Dinge scheinbar ohne Anstoß ins Wanken geraten, klappern, kippen und wo schließlich sogar der Wandschrank umstürzt. Die Bedeutung und zugleich die größte Relativität des eigenen Standpunktes wird von Kutter angenehm deutlich hervorgehoben.

Beide Künstlerinnen beziehen sich auf den Raum, wie auch Kuratorin Sabrina Hoff mit Verweis auf Michel Foucaults frühen Begriff der „Heterotopien“ in ihrer Einführung herausstellte.

Die Sperrholz- und MDF-Platten Buschs dämmen nicht nur den Raum ab und geben den Ausstellungsräumen den verrammelten Charakter, eine kleinere Tafel lehnt beiläufig an der Wand. Das aufgezogene Foto zeigt den Blick durch eine zerborstene Gipskartonwand in einem lange leerstehenden Haus. Möbel, Stoffe, Liegengebliebenes und Aufgeplatztes sind zu sehen. An der gegenüberliegenden Wand ist eine vornehmlich düstere Fototapete aufgebracht, ein Videoloop zeigt den Blick in einen weiteren Raum, seine Pflanzkübel, Licht- und Schattenspiele sind zu sehen. Das Erkennen tritt hier und da ein, um gleich darauf wieder zurückzutreten, die Narration wird verneint, manches bleibt im Halbdunkel verborgen.

Die Ausstellung ist bis zum 26. März mittwochs bis freitags von 15 bis 19 Uhr, sonnabends von 11 bis 16 Uhr im Cheltenham-House, Friedrichstraße 1 in Göttingen, zu sehen.

Ausstellungseröffnung Bis auf weiteres...- Impressionen

2011-01-30T04:05:00.001-08:00

Cheltenham-Haus, Raum 1

Cheltenham-Haus, Raum 2

Bis auf weiteres...

2011-01-11T05:08:00.000-08:00

Astrid Busch und Susanne Kutter

Die Doppelausstellung präsentiert vom 28.01. bis zum 26.03. die beiden Künstlerinnen Astrid Busch und Susanne Kutter. Die sich in unterschiedlichen Vorgehensweisen mit der Hinterfragung von Raum und Betrachterposition auseinandersetzen.

Astrid Buschs (*1968) Arbeiten zeigen verwunschene Landschaften, verloren wirkende Menschen und zerstörte Räume. Die Kombination von Fotografie, Installation und Videoarbeit schafft eine ganz außergewöhnliche Ausstellungsszenerie, die neben unheimlichen Aspekten auch mit der Position des Betrachters und dessen Raumgefühl spielt.

Susanne Kutters (*1971) kleinformatigen, nur schuhkartongroßen Installationen und ihre Videoarbeiten zeigen Innenräume. Diese werden bevölkert von den unterschiedlichsten Insekten oder vor laufender Kamera durch Überflutung oder Erdbeben zerstört. Die Perspektive des dargestellten Raumes verkippt und bekommt etwas Surreales. Der heimelige Innenraum wird bedroht und der sichere Ort besetzt.

Zur Ausstellung erscheint ein Katalog mit einem Vorwort von Sabrina Hoff und Texten von Dr. Barbara J. Scheuermann (freie Kuratorin) und Dr. Thomas Niemeyer (Kurator Marta Herford)

Die Ausstellung findet im Ausstellungsraum des Apex, Burgstraße 46, und in den Räumen des Cheltenham-House, Friedrichstraße 1, statt.

Öffnungszeiten: Mi-Fr 15-19 Uhr, Sa 11-16 Uhr

Der Eintritt ist frei.

Malerei zwischen Index und Selbstreferenz -

2010-12-09T02:50:00.000-08:00

Stephanie Abbens abstrakte Bildwelten (Kurzversion)

Von Sabrina Hoff

Das englische Wort inform, das den Titel der Ausstellung bildet, ermöglicht ähnlich wie die Gemälde von Stephanie Abben die unterschiedlichsten Auslegungsmöglichkeiten. Inform in der deutschen Übersetzung auslegbar als beeinflussen, durchdringen, zu Grunde liegen, bezeichnet Elemente, die auch die Arbeitsweise Stephanie Abbens zu bestimmen scheinen.

Farbe und Malgrund werden miteinander verschmolzen, sie bedingen sich gegeneinander. Die Malerei nimmt Einfluss auf die Fläche und schafft durch ihre Durchdringung mit Farbe plötzlich Raum, Formen und Objekte. Die Titel, die Abben meistens intuitiv durch Assoziation auswählt, machen ihre eigenen Auslegungen zum Bild deutlich. Auf der anderen Seite stiften sie aber auch Verwirrung dadurch, dass Abben Neologismen, wie amiles oder steind ersinnt. Durch ihren Klang scheinen sie Erinnerungen an etwas Bekanntes auszulösen, dass sich entweder in den Bildern wiederentdecken lässt oder zur Verwirrung führt. Ob Bild und Titel letztendlich übereinstimmen oder doch konträr zueinander stehen, bleibt immer offen und wird in seiner Auslegung dem Betrachter überlassen.

Was in der Frage nach Titel und Thematik des Bildes bereits mitzuschwingen scheint, ist die augenscheinliche Durchdringung des Bildes durch einen mal mehr, mal weniger erkennbaren Gegenstand. Obwohl die Aktion beziehungsweise der Schaffensprozess des Bildes eindeutig im Bild sichtbar bleibt, wird die Abstraktheit des Bildes immer wieder aufgebrochen. Man meint Dinge zu erkennen oder gegenständlich erfassen zu können. Die Assoziation ist in der Formensprache des Bildes mit angelegt.

Florale Elemente spiegeln sich genauso wieder wie Räumlichkeiten, die sich durch den oftmals starken Hell-Dunkel -Kontrast aus der Fläche zu schälen scheinen. Die Grenzen zwischen Abstraktheit und Gegenständlichkeit verschwimmen. Der Wille diese Elemente zu schaffen, ist nicht als vordergründiges Ziel der Künstlerin deklariert. Sie sind vielmehr Produkte des intuitiven Malprozesses. Das Motiv findet sie, wie sie es selbst ausdrückt, oftmals erst beim Malen selbst.[1] Die Bewegung schafft Formen und Motive, die sich dann weiterentwickeln lassen und zu einem Ergebnis führen, dass trotz aller Abstraktheit Assoziationsmöglichkeiten eröffnet. So scheinen Kreise zu Steinen, Linien zu Pflanzen oder Rundungen zu Höhlen zu werden. Es entstehen Gemälde, die nicht nur reine Geste sind, sondern auch Form enthalten. Die Bildwirkung wird im narrativen Sinne erweitert.

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[1] Vgl. Stephanie Abben im Gespräch mit Dr. Necmi Sönmez in: Stipendiaten 2009-2010, Jahreskatalog: Lepsien Art Foundation (Hrsg.), Düsseldorf, 2010. S.11.

Ausstellungseröffnung Stephanie Abben - Impressionen 25.November 2010

2010-11-26T03:06:00.000-08:00

Künstlerin Stephanie Abben (links)

Stephanie Abben - inform

2010-11-09T05:52:00.000-08:00

25.11.2010 bis 14.01.2011

Die vom 25.11.2010 bis 14.01. 2011 im Apex Kunstverein gezeigte Ausstellung inform präsentiert Werke der jungen Malerin Stephanie Abben.

Durchdringen, zu Grunde liegen oder beeinflussen sind die Begriffe, die sich mit dem Titel inform verbinden lassen. Sie werden in den präsentierten Gemälden eindrücklich sichtbar. Farben, Raum, Gegenstand und Malspuren scheinen ineinander überzugehen, sich zu verbinden und den Gemälden ihre Struktur bzw. ihre Grundlage zu geben.

Abbens Bilder rufen Assoziationen hervor, man meint Landschaften, Gegenstände oder Tiere zu erkennen. Allerdings bleiben diese Eindrücke auf der rein assoziativen Ebene. Stephanie Abben sucht erst beim Malen nach einem Motiv oder findet es durch Zufall. Das Malen ist bei ihr ein fast körperlicher Prozess, wobei der Malakt selbst sichtbar bleibt.

Die Bilder Abbbens verdeutlichen zum einem den abstrakten Prozess der Entstehung des Bildes, andererseits spiegeln sie auch den Wunsch wieder im Bild einen Inhalt zu finden. Der Betrachter erhält bei ihr die Möglichkeit seinen Blick auf etwas zu fixieren und im abstrakten Bild erzählerische Welten zu entdecken.

Stephanie Abben wurde 1976 in Düsseldorf geboren. Sie studierte Philosophie, Kunstgeschichte und freie Malerei an der Ruhr-Universität Bochum. 2004 wechselte sie an die staatliche Akademie der bildenden Künste in Karlsruhe, wo sie in der Klasse Helmut Dorner und Meuser studierte. Seit 2010 ist sie Meisterschülerin bei Meuser.

Stephanie Abben ist Trägerin zahlreicher Auszeichnungen und Preise u.a. "Prix des Arts" (Prix du Parrain) du Rotary Club, Strasbourg (2007), "Young Art Award , 33. Internationaler Förderpreis, Art Forum Ute Barth, Zürich (2009), Förderpreis der Museumsgesellschaft Ettlingen (2010).

2010-10-08T02:26:00.000-07:00

Pressestimmen:

Göttinger Tageblatt 02.10.2010

Poetische Welten, Baumstrudel und einsame Buchten

„Walk The Line“: Die Künstler Chiharu Shiota. Philip Loersch und Erla Haraldsdottir in der Galerie Apex

Von Peter Krüger-Lenz

Zeichnung im Raum: Philipp Loersch mit einer seiner Arbeiten. © Theodoro da Silva

Das weiße Kleid könnte auch für eine Hochzeit entworfen sein. In einem Kubus aus Metallrohr steht das Stück ausgestellt, ein wenig wirkt es stolz. Kilometerlang muss das schwarze Garn sein, mit dem es Chiharu Shiota eingesponnen hat. Die Position dieser Künstlerin ist eine von dreien, die derzeit die Galerie Apex unter dem Titel „Walk the Line“ präsentiert.

Shiota, 1972 in Osaka/Japan geboren, lebt heute in Berlin. Die Fäden sind ihr Markenzeichen. Sie webt Alltagsgegenstände ein, zieht sie aber auch über bemalte Leinwände. Vor allem dann ähneln sie präzisen Strichen, die Objekte nähern sich der Zeichnung an. Herausragend allerdings ist die Poesie, mit der Shiota vor allem ihre dreidimensionalen Werke auflädt. Sie legen Geschichten nahe und wirken wie Bühnenbilder, die ohne Schauspieler in geheimnisvolle Welten führen.

Philipp Loersch zeichnet auf Platten aus dem Kunststoff Polystyrol. Sein Strich ist nicht unbedingt brillant, doch in der Gesamtheit seiner Bilder mächtig. Der Malgrund ermöglicht es Loersch in einem sehr aufwendigen Verfahren alles Weiße, alle Räume zwischen Bildelementen herauszuschneiden. So entsteht ein verwirrend flirrendes, im Raum hängendes Geflecht, auf dem realistisch gezeichnete Bäume wie in einem Strudel trudeln.

Die Isländerin Erla Haraldsdottir verbindet Realität mit Illusion. So filmte sie eine charakteristische Bucht mit zerklüfteten Felsen in ihrem Heimatland. In das Videomaterial montierte sie Gezeichnetes. Ein Spiel mit Erinnerungen und deren Veränderung der Wirklichkeit.

Überschaubar ist die Anzahl der Werke dieser Ausstellung. Doch die Klugheit der Künstler und des Konzeptes der Schau macht sie sehenswert.

2010-09-07T06:27:00.000-07:00

Walk The Line
Eine Ausstellung mit Erla Haraldsdottir, Philip Loersch, Chiharu Shiota

Eröffnung am Donnerstag den 16.09., um 19 Uhr

Die Ausstellung Walk The Line widmet sich vom 17. September bis zum 13. November 2010 in einer differenzierten Auseinandersetzung dem Metier der Zeichnung. Diese wird hierbei nicht zum Mittelpunkt sondern bleibt ausschließlich als Basis der Positionierung der drei gezeigten Künstler Erla Haraldsdottir, Philip Lörsch und Chiharu Shiota bestehen. Dem entsprechend erahnt man bei allen drei Künstlern eine Idee, die in der Zweidimensionalität der Zeichnung bzw. der Einfachheit der Linie ihren Ausgangspunkt nimmt.

Die Auswahl der präsentierten Werke verdeutlicht, dass Begriffe wie Raum, Zeit, Bewegung und Stillstand eine vollkommen neue Bedeutung erhalten können, indem sie gegeneinander gesetzt, miteinander verglichen oder aufgehoben werden. Somit hinterfragen die Werke das ihnen zu Grunde liegende Medium der Zeichnung sowohl nach seiner Funktionalität als auch Aktualität. Die drei künstlerischen Positionen finden auf ihre jeweils subjektive Weise einen Zugang zur zeichnerischen Darstellung und deuten sie nach ihren eigenen Maßstäben zu neuen Ausdrucksformen um

Erla Haraldsdottír (*1967) vermengt in ihren Arbeiten Fiktion und Wirklichkeit. Sie filmt dokumentarische Sequenzen, die sie anschließend mit ihren Bleistiftzeichnungen kombiniert, überlagert oder ergänzt. Die im filmischen Material enthaltene Realität wird somit aufgebrochen. Zeichnerische Erinnerungen und die bildliche Wahrnehmung der Umwelt lassen Realität und Fiktion verschmelzen und kreieren eine völlig neue Dimension, die keinem Medium mehr eindeutig zuzuordnen ist. Die Zeichnung überdeckt die Wirklichkeit und deutet sie gleichzeitig kritisch um. Die illustrierenden Elemente lassen den in der Ausstellung gezeigten Film Reynisdrangar zwischen Abbild und Bewegung, Fantasie und Wirklichkeit hin und her pendeln. Der Film wird ergänzt durch Zeichnungen der Künstlerin.

Die Arbeiten Philip Lörschs (*1980) greifen direkt in den Raum ein. Seine „Zeichnungen“ verlieren ihre Zweidimensionalität und dehnen sich als Cut-outs in den Raum aus. Dabei beschäftigen ihn inhaltlich physikalische Fragen, indem er die Belastbarkeit des Materials, optische Effekte und den Unterschied zwischen Abstraktion und Figuration befragt. Das extra für die Ausstellung geschaffene Werk geht somit direkt auf den Ausstellungsraum des APEX-Kunstvereins ein und schafft eine Verbindung zwischen Raum, Kunstwerk und dem Betrachter, der mit der Präsenz des Objekts konfrontiert wird.

Die aus Japan stammende Künstlerin Chiharu Shiota (*1972) widmet sich in ihren skultpturalen Objekten der Grundidee der Linie. Diese wird zum Gegenstand ihrer fast organisch anmutenden Installationen, sie mutiert zum Faden, der alles umwickelt, alles einspinnt und vordergründig den Ansatz einer harmonischen Komposition irritiert. Es entstehen so Objekte die an Zerstörung, Verwahrlosung und Verlassenheit erinnern. Und dennoch haftet Ihnen eine Schönheit an, die eine ähnliche Poesie verströmt wie ein perfektes Spinnennetz. Die Melancholie des ewig nicht mehr Berührten, Verwebten und für immer Vergessenen scheint einher zu gehen mit der Beklemmung und Unheimlichkeit der eingewebten Objekte, die unauflöslich mit ihrem Umraum verbunden sind. Hier wird die Zeichnung nicht zum Anschauungsobjekt, sondern die Linie entwickelt ein Eigenleben, verleiht dem Raum einen völlig neuen Rhythmus und entsetzt wie verzückt den Betrachter gleichermaßen.

Die Ausstellung wird finanziert mit Mitteln des Landes Niedersachsens. Unser besonderer Dank gilt der spontanen und großzügigen Unterstützung der Nord/Lb, sowie der Karstadt-Filiale Göttingen.

MOLOCH

2010-06-11T07:27:00.000-07:00

Eine Ausstellung mit Philip Grözinger, Marcus Wittmers und Moritz Schleime.

ERÖFFNUNG: 1.Juli 2010 , 19:00 Uhr
Die Ausstellung findet im Cheltenham-Haus in der Friedrichstraße statt.

Der Begriff Moloch ist verbunden mit einem grausamen Opferritual, von dem uns sowohl griechische Quellen, als auch das Alte Testament berichten, wonach Kinder bei lebendigem Leibe in einer erhitzten Bronzestatue verbrannt wurden, um den Götzen Moloch oder Milkmon zu ehren. In neuerer Zeit steht er freilich als Synonym für eine menschenfressende Maschinerie, nicht selten in Form der Großstadt als unübersichtliches Geflecht, indem seine Bewohner sich verlieren. Als Beispiele in der Literatur sei auf die Großstadtromane der 20er und 30er Jahre verwiesen oder auch auf Filme, wie natürlich Metropolis oder auch Blade Runner, um nur wenige zu nennen.

Die Ausstellung im APEX pro art e.V. wird sich dem Mythos Moloch als auch dessen zeitgenössischen Rezeption widmen.

Ausgangspunkt bildet hierbei eine Molochdarstellung des holländischen Malers Rombout van Troyen (1604-1656) aus dem Jahr 1626, die für diese Ausstellung zur Verfügung gestellt wird. Van Troyen, vor allem für seine Höhlendarstellungen und ausgefallenen religiösen und mystischen Motive bekannt, illustriert auf dem Bild die Opferung des eigenen Sohnes durch den König Achas.

Die Berliner Künstler Moritz Schleime, Marcus Wittmers und Philip Grözinger haben sich zusammengetan, um auf der Grundlage des alten Gemäldes eine zeitgenössische Moloch-Ausstellung zu komponieren. Dabei werden sie sich sowohl malerischer wie auch skulpturaler Mittel bedienen.

Kuratiert von Christian Schindler in Zusammenarbeit mit Andreas Wendt.

Zur Finissage der Ausstellung erscheint ein Katalog.

Die Ausstellung und der Katalog wird finanziert aus Mitteln des Landes Niedersachsen, der Göttinger Kulturstiftung und der SØR Rusche Sammlung.

Nina Kaun

2010-06-01T05:20:00.000-07:00

APEX Werkstatt präsentiert:

27.05. – 10.07.2010

Ausstellungverlängerung bis 28.08.2010

Nina Kaun studiert seit Oktober 2005 Visuelle Kommunikation mit dem Schwerpunkt Illustration an der Kunsthochschule Kassel. Sie hat eine Vorliebe für assoziativ/experimentelles Arbeiten und Originaldruckgrafik. Ihre Geschichten haben oftmals einen biografischen Bezug und ihre Zeichnungen widmen sich Themen wie Beziehungen, Selbst- und Fremdwahrnehmung etc. Von Februar bis August 2009 absolvierte sie ein Auslandssemester an der Hogeschool voor Wetenschap & Kunst Sint-Lucas in Gent/Belgien. Ihr Abschlussbuch an der Kunsthochschule Kassel wird sich mit dem Thema “Traum” beschäftigen. Seit 2 Jahren erscheinen Ihrer Buch- und Illustrationsprojekte auch in dem Kasseler Verlag Rotopolpress.

www.mirabellenbaum.com

Pélagie Gbaguidi – in and off

2010-05-20T07:28:00.000-07:00

20.05. – 26.06.2010

Pélagie Gbaguidi (geboren 1965) stammt ursprünglich aus dem Senegal und studierte bis 1995 Malerei an der königlichen Akademie der Schönen Künste in Lüttich/Belgien. Sie lebt seit über dreißig Jahren in Europa, darunter auch längere Perioden in Marseille und Paris. Inzwischen wohnt und arbeitet sie in der Nähe von Brüssel.

Gbaguidi sieht sich selbst als westafrikanische „Griot": eine Persönlichkeit, die das Wissen einer Kultur weitergibt und damit die Geschichte eines Volkes bewahrt. Ihre Kunst spiegelt nicht nur die Vergangenheit sondern auch die Gegenwart wieder. Menschenhandel und Zwangsprostitution stellen eine neue Form der Sklaverei in Europa dar und bedürfen der individuellen und kollektiven Verantwortung gegenüber der eigenen Geschichte.

Gbaguidis Arbeiten wurden bereits in Gruppenausstellungen in vielen Ländern Afrikas und u.a. in Spanien, Belgien, Frankreich, Deutschland, Kanada, der USA und der Schweiz gezeigt. 2007 zeigte sie in der Kunsthalle Krems ihre erste Einzelausstellung „Le Code Noir“, in der sie sich mit dem 60 Artikel umfassenden Dekret „Code Noir“, welches der französische König Ludwig XIV. im Jahr 1685 erließ, befasste. Der „Code Noir“ ist ein Symbol für Menschenverachtung, Verlogenheit, Rassismus, Brutalität und Zynismus. Gbaguidi war über den Inhalt des Dekrets entsetzt und arbeitete in 120 Zeichnungen und in einer Reihe großformatiger Leinwände die Verbrechen der Kolonialmächte zu Zeiten der Sklaverei auf. Ihre Bilder erwecken Assoziationen zu Gewalt, Leid, Unterdrückung, Folter, Mord und Vergewaltigung, allerdings lassen sich diese nicht motivisch konkretisieren. Gbaguidi unterstellt hierbei die Kraft des „Nicht-Sichtbaren“.

Bei der 8. Biennale zeitgenössischer afrikanischer Kunst 2009 in Dakar „DAK-ART“ war das Thema Migration allgegenwärtig. Gbaguidi war dort mit der Bodeninstallation „Bumerang“ vertreten, ein Meer aus vielen bunten Papierschiffchen, welche als Symbole für unerfüllte Träume und große Verzweiflung fungieren. Die ifa-Galerie in Berlin zeigte mit der Ausstellung „Spot on DAK-Art“ die Höhepunkte der Biennale in einer Gruppenausstellung, an der Gbaguidi ebenfalls teilnahm.

Die senegalesische Künstlerin wird im APEX sowohl neue als auch ältere Arbeiten präsentieren und so ein Überblick über ihr Werk bieten. Im APEX soll die Ausstellung von begleitet werden von einem Programm aus Vorträgen, die sich ebenfalls mit der Beziehung Europas zum afrikanischen Kontinent auseinandersetzen und das Thema der Migration in den Fokus stellen.

NATALY HOCKE - ALL IN PIECES (1791-1971)

2010-03-10T03:50:00.000-08:00

Vom 18.03. bis zum 06.05.2010 zeigt der Kunstverein APEX pro art e.V. Arbeiten von Nataly Hocke.

Die Finissage findet am 05.05. ab 19 Uhr statt. Es wird eine Führung durch die Ausstellung mit der Künstlerin geben.

„Was hat das Apex und der Camembert gemeinsam? Im Prinzip die Symmetrie der Jahreszahlen ihrer Erfindung. Das Apex existiert seit 1971, der Camembert seit 1791.“
Nataly Hocke umschreibt ihr bildhauerisches Werk als „Gedankenoperation anhand fester Materie“. Für die Ausstellung im Göttinger Apex entwickelt sie eine ortsspezifische Installation, die aus Objekten, Texten und Fotografien besteht. Sie bildet eine Kette aus Assoziationen und Analogien, die eng mit ihrer eigenen Biografie in Verbindung steht.

In der Ausstellung „All in Pieces“ schafft die Künstlerin aus kleinen Bruchstücken und Materialfunden handhabbare Objekte und ein neues musealisiertes Ganzes bilden: „Installation ist auseinandergenommene Bildhauerei“.
Der Kern der Ausstellung bildet ein modifizierter Werk- bzw. Schreibtisch, weniger als Gebrauchsgegenstand, sondern als „ analoger Platzhalter in einer Welt voller Zeitfenster“. Ein abstraktes Relikt, Werkzeug und Statussymbol der abwesenden Künstlerin.

Nataly Hocke (*1971, Kassel) studierte Bildhauerei an der Hochschule der Künste, Berlin und war Meisterschülerin von Rebecca Horn.
Ihr Arbeitsschwerpunkt liegt auf Installation, Objekt, Skulptur, Fotografie, Text.
Nataly Hocke lebt und arbeitet in Berlin.

Bilder der Ausstellung:

1971 apex-camembert 1791 (2010)

Wachs, Samt, Glas (21x23x23cm)

Urschnecke (1998-2010)

Pappe, Holz, Farbe, Fotografie (48,5x37,5cm)

v.l.n.r.

Mysterious Fork (2008)

Holz, Farbe, Plastikgabel (25,5x19,5x6cm)

Lüftung (2008)

Palettenholz (41x28x9cm)

Venus Kassel - New York (2007)

Zigarrenkiste, Paletten, Glas, Fotografie (22x11x5cm)

Gerahmtes Glas (2009)

Glas, Holz, Farbe (25x23cm)

apex-apex (2010)

Holzpalette (255x33x29cm)

Transfer (2010)

Koffer, Farbe, Transportband (155x87x64cm)

Assistent (2010)

Holz, Rad, Kisten, Wachs, Pigment, Garn (93x90x20cm)

Bilder der Vernissage:

INGO GERKEN - WHEN ATTITUDE BECOMES NORM

2010-01-19T04:48:00.000-08:00

30.01. - 14.03.2010

Die Frage nach der eigenen künstlerischen Identität in einem überhitzten Kunstbetrieb ist eines der zentralen Themen in der Arbeit des Berliner Künstlers Ingo Gerken. Diese versucht er zu erkunden, indem er sich durch die moderne und postmoderne Kunstgeschichte gräbt und Möglichkeiten sucht sich im Unterholz der Zitate zu behaupten.

Dabei spielt er auch auf ironische Art und Weise mit den großen Namen seiner Zunft und führt das Objét Trouvé zum Readymade und umgekehrt. Durch seine kritische Betrachtung des Systems Kunst zwingt er auch den Betrachter seine Urteile und Vorurteile zu überdenken

Zur Ausstellung erscheint ein Katalog, der vom Senat der Stadt Berlin gefördert wird. Mitherausgeber ist der APEX pro Art e.V..

Der Katalog ist zum Vorzugspreis von 12 Euro im APEX erhältlich.
Anfragen unter projekt@apex-goe.de .

Ansichten der Ausstellung:

Fünf Häuser (2004)

Edding u. Postkarte auf Papier (43x61cm)

oben: Cy III (2008)

Buntstift auf Papier (30x22cm)

unten: The 5th Kelly (2003)

Papiercollage (54x63cm)

Ernst (2009)

Papier (30x22cm)

Schaufenster: Aus der Serie Burning Kontext (2009)

Filzstift u. Buntstift auf Papier

Schaukasten:
aus der Serie Cityworks (2009):
v.l.n.r.: Museum (Libeskind) (2008), Hall (Mies v.d. Rohe) (2009), Philharmonie (Scharoun) (2010)
C-Print auf Aluminium (54x42cm und 54x42cm)

Found Form & Lost Form (Schwarzer Block)
Eisenträger, abgeschraubtes Regalbrett (265x330x80cm)
Bodenfliese, Klebefolie (180x51cm)

Drei Häuser (Version Göttingen)(2010)
verschiedene Klebebänder auf Wand (1000x400cm)

Bernstein/Drewelow: Neues aus der grafischen Heilanstalt
06.02. - 10.04.2010

Der APEX pro art e.V. präsentiert neben dem Kunstvereinsprogramm die Reihe APEX WERKSTATT. Wir wollen unseren Besuchern auch hier ein hochwertiges Programm bieten, dass sich auf vornehmlich auf Zeichnungen, Illustrationen, Grafiken und Karikaturen konzerntriert.
Den Anfang machen F.W.Bernstein und Heike Drewelow mit Bildern aus der grafischen Heilanstalt.

Die beiden Künstler schicken sich per Post des öfteren Zeichnungen zu. Und sie würdigen diese Blätter dergestalt: die Sendungen werden verändert, geschmückt, gestört und vollendet. Es werden aber auch Einzelarbeiten der Zeichner gezeigt.

Katalin Moldvay - Nebenwirkungen

2009-11-04T06:26:00.001-08:00

15.11. - 08.01.2010

Vom 15.November bis zum Januar 2010 präsentiert der APEX pro art e.V. eine Ausstellung der transylvanischen Künstlerin Katalyn Moldvay. Es werden Objekte, Installationen und Zeichnungen gezeigt.
Moldvay studierte von 1976 bis 1980 an der Kunstakademie in Klausenburg/Siebenbürgen und arbeitete anschließend als Bühnenbildnerin am staatlichen ungarischen Theater. 1984 siedelte sie nach Baden-Baden über. Es folgten Lebens- und Arbeitsaufenthalte in Wildnisgegenden der USA, Lappland, Island und Österreich.

Katalin Moldvay fungiert als eine Art Zwischenhändlerin. Sie sammelt auf Flohmärkten, Müllkippen und auf langen Wanderungen durch die Natur Dinge und Objekte, die sie zunächst in ihrem Atelier anhäuft. Durch einen komplexen Prozess der Metamorphose weist Moldvay ihnen anschließend eine neue Bedeutung zu, die ursprüngliche Geschichte der Objekte geht dabei verloren und wird durch eine neue ersetzt.
Am Anfang dieses Prozesses wird zunächst der Zustand der gesammelten Dinge hinterfragt. Im Wechselspiel von Fragen an sich selbst und an die Fundstücke entsteht der Raum in dem sich das Kunstwerk formieren kann. Durch die künstlerische Bearbeitung der Objekte, wie färben, schneiden, vernähen, ineinander verschachteln und aneinander heften, entstehen Arbeiten, die eingesponnen sind in eine Dialektik aus Ernst und Humor, Schwarz und Weiß, Ästhetik und Philosophie.

Im APEX wird die Künstlerin eine Intervention in den gesamten Räumlichkeiten des APEX arrangieren.

-> Homepage Katalin Moldvay

Vidya Gastaldon - LSD

2009-09-10T08:24:00.000-07:00

Vom 26. September bis zum 08. November 2009 zeigt der APEX pro art e.V. eine Ausstellung mit der französischen Künstlerin Vidya Gastaldon.

PROGRAMM:

26.Sep * 15 Uhr : Vernissage

01.Okt * 21 Uhr : Psychedelic Cinema
Eine Filmprojektion von Ken Brown, die ursprünglich im Kontext von Live-Konzerten von 1967 bis 1969 gezeigt wurden. Im APEX zeigen wir eine Projektion begleitet von einem DJ Set, das psychedelische Sounds aus den 60ern und 70ern präsentiert und sich auf abseitige, rare und unbekannte Interpreten stützt. An den Plattenspielern stehen René Gleitsmann, der in Berlin unter dem Namen "Hey Hey Galaxy" als Musiker tätig ist, und Christian Schindler, Kurator der Ausstellung.

08.Okt * 20.30 Uhr : The Trip , USA 1967,
Ein Versuch des amerikanischen Regisseurs Roger Corman, einen LSD-Trip filmisch umzusetzen. Das Ergebnis zeigt uns, wie Peter Fonda gebannt auf eine Waschmaschine glotzt und fasziniert ausruft: "Ich verstehe! Maschinell!". Aus heutiger Sicht ist der Film naiv und unfreiwillig komisch. Trotzdem ist er auch ein Stück Zeitgeschichte und soll daher hier gezeigt werden.
D: Peter Fonda, Dennis Hopper, Susan Strasberg, Bruce Dern

28.Okt * 18 Uhr: Psychedelische Plakatkunst der 60er Jahre.
Vortrag mit Prof. Dr. Lutz Hieber (Universität Hannover) und Gisela Theising, die einen Teil Ihrer umfassenden Sammlung dem APEX zur Verfügung gestellt haben.

Mit freundlicher Unterstützung
der schweizer Kulturstiftung PRO HELVETIA

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Biographie / Biography :
Née en 1974 à Besançon, vis et travaille à Genève.
De 1994 à 2001,travaille en collaboration avec Jean-Michel Wicker ; les expositions communes sont marquées par un astérisque (*).

Einzelausstellungen (Auswahl) :
2008
Do you wear the Love Glasses ? Salon 94, New-york, USA.(7 sept)
Call it what you like, New Art Gallery, Walsall Museum, Walsall, UK.(18 sept)
2007
Stop believing, start knowing, Swiss Institut, New-York, USA.
Huge Reality, Galerie Francesca Pia, Zurich, Suisse.
Healing Boom, Hiromi Yoshii, Tokyo, Japan.
2006
Kunstmuseum de Thun, Suisse.
Galerie Art:Concept, Paris, France.
Art Statements, Art 37 Basel, Bâle, Suisse.
UniverevinU, Alexandre Pollazzon, Londres, UK.
2005
Biolovarama, Mamco, Musée d’art moderne et contemporain, Genève, Suisse.
Ectopie spectrale, Hard Hat, Genève, Suisse.
2004
Cosmic, Paris, France.
2003
Centre d’Art Contemporain, Genève, Suisse.
2001
Kunsthaus Glarus, Glaris*, Suisse (cat.)
Centre d'édition contemporaine, Genève*, Suisse.
Gregorio Magnani Gallery, Londres

Gruppenausstellungen (Auswahl) :
2008
I love JENISCH, Musée Jenisch, Vevey, Suisse
Shifting Identities, Kunsthaus, Zürich, Suisse
La main numérique, Ecole-Centre d’Art d’Annecy, France
Landscope, Galerie Thaddaeus Roppac, Paris, France
Abstraction Extension. Une scène romande et ses connexions, Fondation Salomon, Annecy, France
3am eternal, Alexandre Pollazzon Ltd, Londres, UK.

2007
Hello I´m crashing, Salon 94, Ny, New York
Half Square/ Half Crazy, Villa Arson, Nice
Wunder Stanza, Centre d’édition contemporaine, BAC, Genève
RAW. Among the ruins, Marres Art Centre, Maastricht, (curator : Alexis Vaillant)
Evenement #1/07 , Centre Culturel Suisse, Paris
Fuori Uso 2007 – Altered States National Museum of Contemporary Art (MNAC), Bucharest
Shangri-La, Alexandre Pollazzon , London
6 ème Triennale de l'art imprimé contemporain, Musée de Beaux-arts du Locle, Le Locle.
Black Noise. A Tribute to Steven Parrino, Mamco, Musée d’art moderne et contemporain, Genève
Der Tanz der Doppelganger, Shark, Genève
2006
Real vs Unreal, Ganga International Gallery, Bogota & Lugar a dudas, Cali, Colombia (cur Alexandre Bianchini & Balthazar Lovay)
Sublime, UZ11R3F, Genève
Cosmogonies, Centre d’art de Noisy-le-Sec (Paris)
La Force de l'Art / Grand Palais 2006,Art en France, Grand Palais, Paris
Conversation Pieces, Centre d’Art Contemporain, Genève
Aller/Retour, Centre Culturel Suisse, Paris
Busan Biennale 2006, Busan, Corée
All we ever wanted was everything, Centre d’art contemporain La synagogue de Delme, Delme
Swiss Video, Tate Modern , London.

Einführung zur Ausstellung von Stefano Ricci und Anke Feuchtenberger

2009-07-14T03:44:00.000-07:00

Sehr geehrte Damen und Herren, liebe Freunde.

Ich begrüße Sie recht herzlich zur Ausstellungseröffnung von Anke Feuchtenberger und Stefano Ricci, die beide trotz der organisatorischen Schwierigkeiten zwischen mehreren Ausstellungen den Weg zu uns gefunden haben, um bei der Eröffnung dabei zu sein. Dafür möchte ich mich an erster Stelle bedanken, und natürlich dafür, dass sie unserer Einladung gefolgt sind und uns ihre wunderbaren Arbeiten zur Verfügung gestellt haben.

Lassen Sie mich zunächst kurz ein paar Worte zu den beiden Künstler sagen. Anke und Stefano leben gemeinsam in der Nähe von Greifswald und sind beide Lehrende an der Hochschule für angewandte Wissenschaften in Hamburg. Außerdem betreiben sie gemeinsam den MaMi Verlag, wo sie die Bücher anderer Zeichner verlegen. Beide gelten als bedeutende Vetreter des Avantgarde-Comic.

Wir widmen uns mit dieser Ausstellung nicht nur diesen international beachteten Zeichnern sondern auch dem Comic als künstlerischem Medium. Dies ist insofern wichtig, als dass es in der bundesrepublikanischen Öffentlichkeit noch immer nicht selbstverständlich ist, diese beiden Begriffe – Comic und Kunst – gleichzeitig in den Mund zu nehmen, was eigentlich erstaunlich ist, wenn man beispielsweise bedenkt, dass Lyonel Feininger mit The Kin-der-Kids einen Klassiker des Comic schuf und dass der Einfluss des Genres auf die sogenannte Bildende Kunst (Stichwort : Pop Art) unbestritten ist. Vielleicht liegt es daran, dass die Bildergeschichten so eng mit der eigenen Kindheit verwoben sind und man sich meist an das komische Element erinnert. Möglicherweise liegt es also nur an einer Begrifflichkeit.
Im angelsächsischen Sprachraum hat man dieses Problem elegant gelöst, indem man von der Graphic Novel spricht, eine Bezeichnung, die Türen zur Literatur öffnet und dabei das künstlerische Handwerk in Form der Grafik ebenso im Blick behält. Überhaupt ist die Diskussion betreffend der „Kunstwürdigkeit“ von Comics dort eher unwichtig, was wohl mit einem anderen Kunstbegriff insgesamt begründet werden kann. Wenn man einen Blick auf die Sammlungen des Museum of Modern Art in New York wirft, wo Malerei, Design, Architektur, Film, Illustration usw. gleichberechtigt nebeneinander stehen, unter dem Dach des Terminus „Modern ART“, muss man sich über kleinliche Grabenkämpfe der Disziplinen eher wundern.

Ob es sich bei den Arbeiten von Anke Feuchtenberger und Stefano Ricci um Kunst handelt, darüber soll also an dieser Stelle nicht debattiert werden. Dadurch, dass wir ihre Arbeiten im Kontext eines Kunstvereins zeigen, haben wir, so denke ich, unser Statement zu dieser Frage abgegeben. (JA, es ist Kunst!)
Wenn ich ehrlich bin, muss ich sagen, dass ich kein großer Kenner der Comic-Szene bin. Von daher ist mein ganzer Zugang zu diesen Arbeiten eher aus einer Blickrichtung der „Kunst“; und wenn man bedenkt, welche Renaissance das Medium der Zeichnung in den letzten Jahren erfahren hat, muss man sich auch fragen, warum wir keine viel breitere Rezeption des avantgardistischen Comics erleben. Nun, möglicherweise und hoffentlich können wir unseren Teil mit dieser Ausstellung hierzu beitragen.

Anke Feuchtenbergers Bildgeschichten zeigen ganz klar auf, warum es sich nicht um Comics im herkömmlichen Sinn handelt. Die Erzählungen sind nicht klar umrissen und erinnern eher an Traumsequenzen, die symbolisch aufgeladen sind. Wir als Betrachter sind gefordert, unseren eigenen Schlüssel zu den Geschichten zu finden, die in ihren Bildabfolgen nicht dem gängigen Erzählschema der Sprechblasenheftchen folgen. Es ist aufgrund ihrer Symbolik und der assoziativen Bildsprache nahe liegend ihre Arbeiten als surrealistisch zu benennen. Demnach würden sie aber etwas darstellen, das sich über der Ebene des Realen bewegt, sie würden eine Enttextualisierung betreiben.
Genau dies ist meiner Meinung nach aber nicht der Fall. In ihren Sequenzen sucht Anke Feuchtenberger nach adäquaten Mitteln, sehr reale Umstände, Zustände, Empfindungen und Wahrnehmung zeichnerisch zu übersetzen. Dabei spielen Phantastik und Märchenhaftes eine Rolle und die Protagonisten erleben kafkaeske Momente.

In quantitativ überschaubaren Bildern findet eine Verdichtung von Zeit und Emotionen statt, eine Fähigkeit, die sich vielleicht aus dem Ursprung ihrer Arbeit, der Gestaltung von Plakaten, entwickelt hat, wo es ja unter anderem auch darum geht, soviel Informationen wie möglich in einem Motiv zu bannen. Man könnte vielleicht für diese Arbeiten den Begriff „Grafic Poem“ wählen, anstatt „Grafic Novel“...
Auf jeden Fall wird die Nähe zur Literatur unter anderem in ihren Geschichten der „Hure H.“ deutlich, die sie gemeinsam mit der Schriftstellerin Katrin de Vries entwickelt hat und von denen drei Bände erschienen sind. Die Erlebnisse der Hure H., die sich abseits von dem bewegen, was der Titel vermuten lässt, speisen sich aus Prosatexten von de Vries, die von Anke Feuchtenberger in Zeichnungen umgesetzt werden. Thematisch drehen sie sich um Genderfragen, um Machtverhältnisse und Sexualität. Zu den strukturell einfachen, aber inhaltlich facettenreichen Textbildern entstehen aus Kohle und Papier keine Illustrationen, sondern Imaginationen, welche die sprachliche Ebene um eine visuelle Dimension anreichern. Die kontrastreichen und flächigen Kohlezeichnungen transportieren eine dunkle Stimmung zu einem schwierigen Thema. Aus einem der Bände sind hier einige Originalblätter als Auszüge aus den Geschichten zu sehen.

Von ähnlicher Dunkelheit geprägt sind auf den ersten Blick auch die Arbeiten von Stefano Ricci, dessen Bilder zunächst vor allem von einer technischen Seite her unsere Aufmerksamkeit erregen.
Seine Bilder sind nicht nur visuell eindrucksvoll, sondern bei näherer Betrachtung auch haptisch interessant. Die großformatigen Arbeiten, die sie hier sehen sind beispielsweise erstaunlicherweise Siebdrucke, die direkt auf diese Platten gepresst werden. Dazu kommt die außergewöhnliche Technik des „Floccaggio“, bei dem zunächst eine Art Klebeschicht gedruckt wird, auf die dann die Farbe aufgebügelt wird und zu einer samtenen Fläche wird. Der Effekt ist hier eine Schwärze, die alles zu schlucken scheint. Übrigens finden sie die Anwendung dieser Technik auch in der kleinen bunten Serie von Anke Feuchtenberger, die sie unten sehen können.
Auch die Papierarbeiten von Ricci weisen einen Materialmix auf, der von Tusche, Kohle und Acrylfarben bis zu Tesastreifen führt und den einzelnen Blättern so Eigenschaften eines Reliefs verleiht und das Medium Comic auf eine andere Art und Weise neu auslotet. Hier geht es auch um die Möglichkeit, Techniken der Malerei für das Comiczeichnen verfügbar zu machen. In der Transformation der einzelnen Blätter zu Bildergeschichten in Form eines Buchs kann der Künstler durch das Scannen oder Abfotografieren seiner Arbeiten sogar noch weitere Elemente wie Lichteffekte für seine Zwecke nutzbar machen.

Inhaltlich ist auffallend, dass wir in Stefano Riccis Arbeiten oft Fragen von Sein und Schein begegnen. Es finden Transformationen und Mutationen statt, ein Hut verschluckt seinen Träger und wird zu einem neuen Charakter – ein Affe verschwindet unter einem Schleier, wird unsichtbar. Bei den genannten Beispielen handelt es sich übrigens um Auszüge aus Trickfilmen. Die Geschichten die hier erzählt werden verhandeln auch Fragen von Wahrnehmung und Täuschung. Die zunächst dunkle Fassade kann allerdings nicht über einen gewissen Witz und Sinn für Humor hinwegtäuschen, der sich nicht unbedingt sofort erschließt. Oder hätten Sie gedacht, dass sich in dieser Ausstellung auch Bruno der Bär aufhält?

Diese beiden vorliegenden aktuellen Positionen aus der Independent-Comic-Szene zeigen uns auf beeindruckende Weise, dass in dem Medium Comic weit mehr Möglichkeiten liegen, als eine lineare Geschichte zu erzählen und Sprechblasen zu füllen. Die Tiefe und Komplexität ihrer sequenziellen Arbeiten schließt die Diskussion um den Wert des von Ihnen gewählten Mediums von vornherein aus, was wohl auch daran liegt, dass sie sich nicht auf die traditierte Form des Comic-Strips verlassen, sondern die Wege ausloten, die sie mit den Bildgeschichten erforschen können. In Trickfilmen, mit verschiedenen Arten des Zeichnens und ungewöhnlichen Druckverfahren.

So bleibt mir noch, mein Dank an alle unsere Sponsoren auszudrücken und natürlich an Sie, dass Sie uns zu diesem Anlass besuchen. Nochmals ein Dank an Anke und Stefano.

Ich bedanke mich für Ihre Aufmerksamkeit und erkläre die Ausstellung für eröffnet.

ERÖFFNUNG: 12.7.09 // 12 UHR

2009-07-01T02:38:00.000-07:00

Anke Feuchtenberger, 1963 in Ost-Berlin geboren, absolvierte zunächst ein Grafikstudium in Berlin-Weißensee und arbeitet seit 1997 freiberuflich in Hamburg.
Dort unterrichtet sie an der Hochschule für angewandte Wissenschaften.
Ihr Stil ist einer kleinen Gruppe deutschsprachiger Künstler zuzuordnen, die seit den 1990er Jahren die etablierte Formensprache des Comics hinterfragt und eigene, radikale Entwürfe hinzufügt. Ihr Werk umfasst Gemälde, Zeichnungen, Comics, Plakate, Druckgrafik, Kostüme und Marionetten. Sie ist Herausgeberin zahlreicher Bücher und Beiträge für Zeitungen und Zeitschriften. Im Herbst 2008 erschien im gemeinsam mit dem italienischen Künstler Stefano Ricci gegründeten Mami-Verlag ein weiteres Buch mit Zeichnungen: wehwehwehsupertraene.de. Die Künstlerin erhielt 2008 mit dem "Max und Moritz-Preis" des internationalen Comic-Salons Erlangen die höchste Auszeichnung deutschsprachiger Comic-Kunst.
Ihre Bilder vertreten einen stark narrativen Ansatz, zeigen mehrschichtige Auseinandersetzungen mit dem weiblichen Körper: Wachstum, Fortpflanzung, Geburt; surreale Abstraktionen der Fremdheit im Eigenen. Eben das ist auch der Zugang. Die Zeichnungen sind von so beklemmender Intensität, dass sie mit einem Bild vielfache Geschichten einer absurd-vertrauten Welt erzählen, die versprachlicht Bände sprechen ließen.

Stefano Ricci, 1966 in Bologna, Italien geboren, lebt und arbeitet in Hamburg.
In seinen Zeichnungen verzichtet er weitgehend auf Illustrationen, in den Comics steht das Bild selbstständig im Mittelpunkt der Arbeit. In unterschiedlich langen Bildfolgen zeigt er Menschen und Tiere in knapp angedeuteten Räumen, meist in Schwarzweiß und Schattierungen. Durch die reduzierte, gegenständliche Darstellungsweise mit surrealen Effekten entsteht eine Atmosphäre, mehr Um- und Anriss als Erzählen von Geschichten. Diese stille Unbestimmtheit soll dem Betrachter eine subjektive Lesart ermöglichen. Den Schwerpunkt seines Werkes legt Ricci auf den Entstehungsprozess als solchen. Er dokumentiert den Prozess der Annäherung an die Zeichnung während der Arbeit. In der Arbeitsphase werden Skizzen nicht etwa von einem sogenannten Resultat einer bestimmten, gesuchten Form getrennt, sondern direkt auf das endgültige Papier gezeichnet. Hier werden Entwürfe hinterfragt, übermalt, manchmal gestrichen.
Ricci arbeitet mit verschiedensten Materialien und die so entstandenen sich überlagernden Schichten suggerieren eine Sichtbarkeit verdichteter Echt-Zeit. Die Ablagerung: eine ebenso sinnliche wie intellektuelle zeichnerische Befassung.
(Text: Lina Debs, kuratorische Assistenz)

Die Künstler sind anwesend.
Wir freuen uns auf Ihr Erscheinen!

Lisa Stålspets/Emanuel Bernstone

2009-06-18T03:59:00.000-07:00

Ausstellungsansichten

oben/above: videostill aus/from Lisa Stålspets' Leaf Dance
unten/below: ausstellungsansicht mit Emanuel Bernstones Bildern/
exhibition view with Bernstone's paintings

Eröffnungsrede Lisa Stalspets/Emanuel Bernstone

2009-05-14T07:30:00.000-07:00

Sehr geehrte Damen und Herren, liebe Freunde!
Ich begrüße Sie recht herzlich zur Ausstellung von Lisa Stalspets und Emaunel Bernstone. Wie Sie anhand der Einladung gelesen haben, steht die Ausstellung unter dem Titel „Contemporary Swedish Art“. Tatsächlich handelt es sich bei dieser Bezeichnung um eine recht artifizielle Geschichte. Denn was Sie hier sehen, ist natürlich keine demonstrative Schau, die zwei herausragende Positionen schwedischer Kunstproduktionen präsentiert. Der Titel der Ausstellung spielt vielmehr mit Erwartungen, die durch die Namensgebung hervorgebracht werden. Denn was kann schon eine national kodierte Begriffsfindung bieten? Letztendlich werden wir nur auf die Unzulänglichkeiten in der Beziehung zwischen Erzählungen und Identitäten gestoßen, wie auch immer man es verklausuliert. Was Sie in dieser Ausstellung aber finden werden, ist genau das, was der Slogan verspricht: zwei zeitgenössische Positionen aus Schweden. Was auch immer Sie erwarten, was über diesen einfachen Fakt hinausgeht, ist ihren eigenen, mitgebrachten Bildern geschuldet.
Blicken wir zunächst auf die Bilder von Emanuel Bernstone, die zunächst als entpersonalisierte Räume erscheinen, kühl und steril. Der erste Blick täuscht jedoch. Auch wenn man vermuten könnte, dass hier auf verlassene Räume geblickt wird und eine Art Statement vermittelt wird, so würde man es sich doch zu einfach machen. Vielmehr handelt es sich um die Präsentation von Zwischenräumen, d.h. Offenen räumen, die Möglichkeiten in sich bergen, die es zu erforschen gilt. Es geht dabei nicht darum, eine Geschichte zu entwickeln, wozu diese leeren Schauplätze freilich einladen, sondern um das Betrachten und die Reflexion unserer eigenen Erwartungshaltung, die wir an Schauplätze herantragen. Und um das „offen halten“, was uns in diesen Räumen begegnen wird. Die Unbestimmtheit und die Wandelbarkeit unserer eigenen Biografien wird uns in den architektonischen Landschaften von Emanuel Bernstone bewusst, denn dadurch wird die Lesbarkeit seiner Räume vornehmlich bestimmt. Es handelt sich also um ein Spiel mit dem Rezipienten und um sein Erfindungsreichtum im beinahe pathologischen Zwang zur Narration. Denn der Mensch als narratives Wesen verlangt ebenso nach Biografien wie nach Schauplätzen, die als Wegmarken unserer eigenen Existenz agieren und die Möglichkeit der Spiegelung bieten. Die formale Strenge in Bernstones Bildern ist somit nur ein Mittel, um den Primat der Assoziation zu bedienen, dessen wir uns weder entledigen können noch wollen. Schließlich handelt es dabei um die Grundkonstanten unserer Existenz. Das, was uns selbst ausmacht ist ja nichts weiter als das Personalisieren von banalen Bildern, d.h. das Auffüllen von historischen Fragmenten mit emotionalisierten Erinnerungen, wie Farben, Gerüche, Geschmack und Gefühle.
Das dieser Prozess der Narration in unserem Kopf sich mit der Zeit verändert, als das sich Erinnerungen verändern und damit auch der Wert den wir Dingen beimessen, ist das Thema in Lisa Stalspets arbeiten. In ihren Arbeiten zeigen sich unbestimmte fragmentierte Geschichten, wie Einzelbilder und verschleierte Träume. Die Landschaften, die Lisa Stalspets entwickelt , sind keine architektonischen Flächen, sondern Erinnerungslandschaften, in denen sie erforscht, auf welche Weise wir Orte mit Bedeutungen füllen und mythologisch aufladen. Als Beispiel sei hier etwa der uns vorliegende Kubus genannt, ein Versuch, eine adäquate Darstellung des Ozeans auf kleinsten Raum zu komprimieren. Es gibt wohl wenige Dinge, die historisch und mythologisch so beladen sind, wie das Meer, ein nautisches Ungetüm, gleichzeitig ein Zeichen für Sehnsucht, Fernweh, Expeditionsdrang, aber auch ein gefährliches und unergründliches Terrain, das sich auch in der Kunstgeschichte in sogenannten Seestücken mannigfaltig wiederfindet. Lisa Stalspets hat eine charmante Form gefunden, diesem komplizierten Thema beizukommen, indem sie auf jeder Seite ihres Ozeans eine andere Darstellungsform wählt. Sie verweist so den Mythos in seine Schranken, bzw. reduziert ihn auf ein Wohnzimmerformat. In der hier gezeigten Videoarbeit „Dance with a stranger“ befasst sie sich mit Ritualisierungen, die durch den Kontext einen Sinn ergeben. Wenn uns dieses Ritual allerdings ohne Kontext begegnet, entwickelt sich ein absurdes Kunstvideo, wo ein Blättertanz aufgeführt wird, der zunächst ästhetische und szenische Qualitäten hervorbringt, dann aber einem seltsamen Ritual gleicht, dem wir nicht folgen können. Nicht einmal die bedauernswerte Zuschauerin im Theater scheint zu wissen, was sie sich da eigentlich genau ansieht und schaut etwas irritiert aus der Wäsche. Beide Positionen bieten also zwei Möglichkeiten sich mit Narrationen auseinander zu setzen, einmal auf einer visuellen Ebene, ein anderes mal auf der Ebene der Erinnerungsarbeit. Zwei künstlerische Positionen aus Schweden, nicht mehr, aber eben auch nicht weniger.
Ich bedanke mich bei den Künstlern, dass sie heute hier sind und wir ihre Arbeiten präsentieren dürfen und eröffne hiermit die Ausstellung von Lisa Stalspets und Emanuel Bernstone. Ich danke für Ihre Aufmerksamkeit.

2009-04-30T03:50:00.001-07:00

EMANUEL BERNSTONE / LISA STALSPETS

Eroeffnung 10. Mai , 12:30 Uhr

Der Kunstverein Apex pro art e.V. zeigt vom 10. Mai bis zum 28. Juni 2009 die Ausstellung der zwei jungen schwedischen Künstler Lisa Stålspets und Emanuel Bernstone. Die Arbeiten Lisa Stålspets werden damit erstmalig in Deutschland ausgestellt.

Auch wenn beider Künstler Arbeitsweise sehr unterschiedlich erscheint, liegt der Schwerpunkt ihrer künstlerischen Intention doch auf der Frage des Sehens und Erzählens. Vorzugsweise arbeitet die Künstlerin Lisa Stålspets, die 1978 in Stockholm geboren ist, mit Video- und Installationskunst. Um zu verdeutlichen, dass die subjektive Wahrnehmung der Umwelt unzureichend ist, nimmt die Künstlerin immer wieder neue Rollen ein und eröffnet dem Betrachter somit eine multiperspektivische Sicht. Dabei schreckt sie auch nicht davor zurück, in einem Krakenkostüm in der Ostsee zu baden, oder als Baum verkleidet in die nächste Eckkneipe zu gehen.

Die großformatigen Bilder von Emanuel Bernstone sind Befragungen architektonischer Räume und Flächen als Schauplätze von Narration. Die malerischen Arbeiten des in Karlskrona geborene Künstlers zeigen überwiegend nicht näher ausformulierte Räume, die den Betrachter dazu nötigen, der Fläche eine Geschichte zu verleihen. So sieht man ein Interieur, das stummer Zeuge bleibt und mit dem notorischen Assoziierungswillen der Rezipienten spielt.

2009-04-25T03:50:00.000-07:00

AM 3. MAI, ab 17:00 UHR:
FINISSAGE der Ausstellung COMPLETE CONTROL:

-Präsentation des Ausstellungsprojektes StadtMachtKunst, a7Ausstellungen e.V. Hildesheim
-Künstlergespräche mit Diego Castro, Tanja Ostojic und Francis Zeischegg.

2009-04-16T06:26:00.000-07:00

COMPLETE CONTROL bis 3.Mai
Bilder der Ausstellung:

von oben nach unten:
francis zeischegg / stephan dillemuth / simon senn

2009-03-26T03:47:00.000-07:00

ERÖFFNUNGSREDE von Christian Schindler

Sehr geehrte Damen und Herren, liebe Freunde.

Die Idee zu Complete Control stand eigentlich schon länger im Raum und den Moment der Konkretisierung des Ausstellungskonzepts vermag ich nicht mehr auszumachen.

Auf jeden Fall hatten Diego Castro und ich schon länger ein gemeinsames Projekt geplant und ich freue mich sehr, dass es diesmal nicht bei Worten geblieben ist, sondern eine schöne Ausstellung entstanden ist, in der wir interessante Künstler und KünstlerInnen versammeln konnten, die sich auf die eine oder andere Art mit dem Thema der Überwachung auseinandersetzen.

Überwachung findet in verschiedensten Formen statt, die sich nicht auf ein einfaches Freund/Feind-Schema reduzieren lassen, es geht hier also nicht ausschließlich um eine Unterscheidung von Bürger und Staat, oder Demonstrant und Polizei.
Die Kontrollmechanismen sickern in den Alltag und werden zur eigenen Praxis, machen mürbe und weichen Grenzen auf, die früher als selbstverständlich galten. Wer sich an die Proteste erinnert, welche die Volkszählung von 1987 hervorrief, muss sich mitunter wundern, wie bereitwillig heute Ausweitungen von Kontrollinstrumenten akzeptiert werden. Dies ist selbstverständlich auch eine Frage des Zeitgeists - die 80er Jahre waren ein stark politisiertes Jahrzehnt (16 Jahre Helmut Kohl hatten vielleicht in Bezug auf das politische Bewusstsein auch etwas Gutes).
Die Befürchtungen der damaligen Bürgerinitiativen, dass der verstärkte Datenaustausch zwischen den Behörden des Staates und eine Nutzung von erhobenen Daten für wirtschaftliche Zwecke zum "Gläsernen Bürger" führen würden, wurden im weiten Maße bestätigt.

Heute werden Kundenprofile erhoben anhand der besuchten Webseiten, um auf den Kunden zugeschnittene Werbung zu platzieren. Das Versprechen der freien Existenz im Netz, in der Jeder mit Jedem über alle Themen kommunizieren kann entpuppt sich als beste Daten-Sammel-Maschine, die sich eine Behörde nicht besser hätte ausdenken können.

Auch die Entwicklung neuer Instrumente seitens des Gesetzgebers - freilich unter dem Label "Sicherheit der Bürger" verkauft - ermöglicht eine lückenlose Rekonstruktion eines individuellen Alltag, indem sogenannte Bewegungsprofile erstellt werden, in der Kundenkarten eine nicht unwesentliche Rolle spielen...

Diese und weitere Dinge haben uns dazu veranlasst verschiedene künstlerische Positionen zu präsentieren, die unterschiedliche Facetten dieses Themas beleuchten. Sei es in der Arbeit von Stephan Dillemuth, (der an der Münchner Akademie der Künste ein Professur innehat), die Sie im Eingang bestaunen können, wo wir ein Ensemble aus Überwachungskameras sehen, das mittels Bewegungsmelder aktiviert wird und in dem sich die Bewacher gegenseitig überwachen.

Oder die Arbeit von Francis Zeischegg, welche die Wahrnehmung von öffentlichen Räumen untersucht und mit ihren Interventionen die Grenzen zwischen Kunst, Architektur und sozialer Praxis auslotet. Weiter sehen Sie von Dillemuth eine Papierarbeit, die sie auf dem Boden ausgelegt finden. Die Spuren, die Sie auf dem Papier hinterlassen, geben über ihr Besucherverhalten Aufschluss. Ein Prinzip, das auch in der Städteplanung als "Desire Lines" Anwendung findet.

Eine weiter gefasste Blickweise finden wir in den Arbeiten von Tanja Ostojic, die sich hauptsächlich mit Fragen der Migration befasst und selber lange den beschränkten Bewegungsmöglichkeiten ausgesetzt war, da sie früher nur einen serbischen Pass besaß. Die hier erfahrenen Probleme hat sie dabei zum Mittelpunkt ihres Schaffens gemacht, wie in der hier gezeigten Arbeit, die einen illegalen Grenzübertritt thematisiert.

Die Video-Arbeit von Ulf Aminde "WEITER" wiederum zeigt eher das Einsickern von Kontrolle und Normierung in alle Lebensformen, wenn wir amüsiert betrachten, wie ein paar Punks "Reise nach Jerusalem" spielen sollen und dies natürlich bereitwillig sabotieren durch das Nicht-Einhalten von Regeln. Letztendlich wird die widerständige Pose an dieser Stelle zur Farce, weil die Protagonisten sich ja genauso verhalten, wie man es von Ihnen als Punks erwartet.

Die Klanginstallation "POLIZEI" von Diego Castro, die sie in der Galerie hören ist eine Untersuchung des juristischen Spielraums, die ein in der Bundesrepublik zensiertes Lied fragmentiert hörbar macht, um dadurch die Zensur zu umgehen. Es handelt sich dabei um das Stück "Polizei, SA, SS" der Hamburger Punkband SLIME.
Durch die zufällige Reihenfolge der abgespielten Tonspuren, wird aber auch gleichzeitig die Eventualität eines unbeabsichtigten Gesetzesbruchs mit einkalkuliert. So wird der Galerieraum als Zone staatlicher und juristischer Kontrolle befragt.

Bleibt noch die Arbeit von Simon Senn - eine Videoprojektion, die sie übrigens ausprobieren können. Mit einer Fernbedienung können Sie zwischen verschiedenen Kameras wechseln, mittels welcher sich die nackten und vermummten Personen durch die Flure eines verlassenen Hauses jagen. Eine wirklich sehr schöne Arbeit, die changiert zwischen belustigendem Spiel, Verfolgungswahn und Jagdfieber. Und außerdem eine seiner ersten Ausstellungen überhaupt, worüber ich mich auch sehr freue.

Zu guter letzt möchte ich mich bei den Künstlern bedanken, von denen leider nicht alle anwesend sein konnten. Das ist aber ein Grund mehr die anwesenden Künstler hervorzuheben: Diego Castro und Simon Senn, die auch bei der technischen Umsetzung mitgewirkt haben und ohne deren Hilfe dieses Projekt so nicht zustande gekommen wäre.

Ein besonderer Dank auch an die Karin Abt-Straubinger-Stiftung und der Göttinger Kulturstiftung, die durch die großzügige finanzielle Hilfe diese Ausstellung ermöglicht haben.

COMPLETE CONTROL

2009-03-11T02:27:00.000-07:00

Complete Control (22.3. - 3.5.)

Überwachung und freiwillige Selbstkontrolle

(Eröffnung: 22.3. / 12h, Finissage am 3.5.)

Im Zeichen der vielbeschworenen Informationsgesellschaft ist die Konfrontation mit neuen Wegen der Information und deren Auswirkung auf private und öffentliche Räume eines der wichtigsten gesellschaftspolitischen Themen, denen die moderne Demokratie ausgesetzt ist. Zwei zentrale und miteinander konkurrierende Konzepte sind sicherlich die Begriffe ‚Freiheit’ und ‚Sicherheit’, deren herkömmlichen Definitionen zur Zeit durch die Ausformulierung einer neuen sicherheitspolitischen Agenda zur Disposition stehen. Verhandelt werden hier ebenso digitale und öffentliche Räume und deren Ausgestaltung; eine Debatte, die nicht weniger als einen Kampf um Deutungshoheit darstellt.

Die Vielgliedrigkeit der Diskurse reicht von der zunehmend flächendeckenden Kameraüberwachung urbaner Konsumräume, digitaler Einflussnahme mittels Bundestrojanern über städtebauliche Interventionen zur Regulierung öffentlicher Sicherheitszonen bis hin zur Frage nach der richtigen strafrechtlichen Verfolgung von Sprayern, die sich außerhalb einer bananenfarbenen hochkulturellen Wärme bewegen.

Ein interessantes Phänomen hierbei, neben der Dialektik von erhöhter Sicherheit und erhöhter Angst, ist die zunehmende freiwillige Selbstkontrolle, abzulesen an der bereitwilligen Öffnung des letzten privaten Raumes, nämlich der eigenen Identität...

Mit freundlicher Unterstützung der Karin Abt-Straubinger-Stiftung und der Göttinger Kulturstiftung.

Mit Stephan Dillemuth , Diego Castro, Tanja Ostojic, Francis Zeischegg, Ulf Aminde, Simon Senn

Kuratiert von Christian Schindler und Diego Castro.

Begleitprogramm:

Im Rahmen der Filmreihe 'ueberMacht' von dieGesellschafter.de im Kino Lumière:

STRANGE CULTURE / FREMDE KULTUREN (USA 2007), 24.4. / 20h

Finissage mit Abschlusspräsentation des Ausstellungsprojekts STADTMACHTKUNST von a7.austellungen e.V., Hildesheim, und Künstlergespräche u.a. mit Tanja Ostojic